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A Casa das Musas (2022-2023) #1

Como referi no prefácio do meu livroA Casa das Musas’ (2024), o livro resultou de uma interpretação visual de nove micro-ficções, escritas para comemorar o dia e noite dos Museus. Com a sua leitura participei numa sessão realizada a 15 de Maio de 2010, organizada por Pedro Sena-Lino na Casa-Museu Dr. Anastácio Gonçalves em Lisboa. Na altura, postei as ficções no meu antigo blog, mas apenas comecei a fazer desenhos a partir das ficções em 2016. Entretanto, na altura não dei continuidade porque entrei na recta final do doutoramento.   Retomei este projecto no verão de 2022, com a série de desenhos a grafite tamanho A4. Em simultâneo, também realizei pequenas pinturas em papel baseadas nos desenhos.  De algum modo, ambos funcionaram como estudos para construir o livro, uma vez que ia encaixando os espaços inventados numa sequência visual narrativa. Durante a pandemia pintei sobretudo em tela a série ‘Panorâmicas (2020-2022), que terminou com um conjunto de ‘Vanitas’ (2022). Senti depois necessidade de trabalhar em papel e procurei algo mais solar e menos abismal. Vou continuar esta série porque sinto-me mais livre a trabalhar em papel do que em tela.

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Apontamentos #2

No meu antigo e intermitente blog que teve início em 2009, tinha o pluging Sitemeter que me dava o registo do que era escrito no motor de busca para lá irem parar. Fiquei por exemplo a saber que tinham escrito ou procuravam no meu blog algo sobre ‘sonhar com deitar na tampa de esgoto’, ‘fodas sigilosas’, ‘ano da cabeça de uma jovem mulher’, ‘casadas’, ‘eco boia de santa branca’, ‘figuras eco harmoniosas’, ‘capela dos ossos esqueleto bébé’, ‘desenho que simboliza a cultura do individualismo desifrado em desenho’, ‘pregar partidas a quem pede sempre cigarros’, ‘mas quando lemos em voz alta o que escrevemos’, ‘vizinhas apanhadas em flagrante’, ‘dentro dos despedaçados instantes de nenhuma hora’, ‘gráfico de queda de 30%’ ou ‘porque meu cão reconhece meu assobio’. Por cá, agora tenho o pluging SiteKit do Google que também me mostra o que foi escrito no motor de busca, e em matéria de absurdo já lá tenho o ‘enigma da carne da gaivota’.

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Hamburg: Março 2024 #3

Ainda sobre as pinturas de Caspar David Friedrich (1774-1840) que vi recentemente na exposição na Hamburger Kunsthalle, chamou-me a atenção duas pequenas paisagens intensas, onde representou a sua cidade natal. Friedrich nasceu em Greifswald, na Pomerânia Ocidental, cidade portuária no mar Báltico, que na altura pertencia à Suécia. Dado curioso sobre este romântico alemão, estudou pintura na Academia de Copenhaga e só a partir de 1798, se fixou em Dresden, na Alemanha. Em ‘Greifswald ao luar’ (1817) com apenas 22,5×30,5 cm, representou a sua cidade natal vista a partir do mar, onde no primeiro plano aquático se vislumbram rochas e uma embarcação à vela. Os pináculos das igrejas surgem depois por trás de um conjunto circular de redes de pesca, aparecendo como uma ilha ao luar, devido à indefinição do ambiente aquático e atmosférico nocturno. A segunda pequena pintura intitulada ‘Prados junto a Greifswald’ (1821-22) tem 34,5×48,3 cm, apresenta uma vista diurna e verdejante, onde a cidade recortada mantém o carácter insular, mas num ambiente térreo e bucólico, vivendo do contraste entre o verde dos prados onde se insere com um perfil azul-cinza, em conflito também com o amarelo-pálido da atmosfera. O que leva um pintor a representar a sua cidade natal como uma ilha quando é um porto na realidade? A memória e a imaginação de um olhar adulto estão presentes nesta sua ideia de paisagem emocional. O meu olhar que também vê com a imaginação e a memória, remeteu-me para a ilha da infância ao encontrar na apolínea paisagem verdejante um solar paraíso. Pelo contrário, mergulhei numa dionisíaca melancolia na sua visão nocturna, onde num ambiente aquático se vislumbra uma fantasmática cidade lunar, com a tristeza da infância-ilha perdida e distante.

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Hamburg: Março 2024 #2

Como vos tinha contado, em Março visitei a exposição do Caspar David Friedrich com excursões de velhotes logo de manhã, eram muitos e impressiono-me serem tão organizados e silenciosos. Mal entrei na primeira sala reparei que faziam uma primeira fila em aglomerado, e iam movendo-se lentamente de forma a poderem ver à vez. Aquilo deu-me um certo stress, não sei bem porquê, então decidi ficar sempre em segunda fila, assim podia observar com o meu tempo e fazia gestos para eles passarem à vontade à minha frente. A segunda sala era impossível ver devido à pequena escala dos desenhos e estava lá um guia, passei logo para a seguinte. Voltei lá no fim, quando tinha menos pessoas. Onde existiam quadros com uma escala maior, apesar de nunca serem muito grandes, os velhotes faziam uma pequena plateia e à vez aproximavam-se da pintura. Fiz o mesmo porque funcionava, mas dava prioridade se aparecia alguém de cadeira de rodas, muletas ou com mobilidade reduzida. Mas saltitava de uns para outros quando me encontrava na fila de trás, consoante queria ver durante mais tempo ou não. Às tantas fiquei parada a olhar para a primeira paisagem que aqui vos mostro, as montanhas e a luz de madrugada impressionaram-me e um casal meteu conversa comigo. Nomeadamente, o velhote queria saber donde eu vinha. Disse-lhe que era portuguesa, tinha vindo de Lisboa de propósito para ver a exposição. E que já tinha visto alguns quadros numa viagem a Berlim. Ele contou que era de Colónia, também tinha vindo de propósito, e estavam quadros lá que tinham vindo da sua cidade. Disse-lhe que já tinha estado em Köln a visitar uma amiga, e gostaria de visitar Dresden, porque Friedrich viveu lá e poderia ver mais pinturas. Então, contou-me que havia poucos quadros em formato maior, por causa de terem ardido em Munique. Perguntei se foi durante a II Guerra, respondeu que o incêndio foi antes. Confessei que também amava os quadros pequenos, ele colocou a mão no peito, comovido, disse sim com a cabeça, agradeceu-me e desejou-me boa estadia em Hamburgo.

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Hamburg: Março 2024 #1

Este ano, no mês de Março estive em Hamburgo: marquei a viagem de forma a abalar de avião na madrugada a seguir às eleições legislativas, para não ficar deprimida. Desliguei aquele canal medonho e andei quilómetros a pé por outros canais a olhar o mundo. O objectivo era ver a exposição do Friedrich na Kunsthalle. Quando lá cheguei o funcionário da recepção informou-me que tinham vendido na Internet todos os bilhetes até ao fim da exposição. Disse-lhe que não sabia, quase chorei, e tinha apanhado o avião de Lisboa de propósito. E tinha visto as suas pinturas numa viagem que fiz a Berlim. Ele tinha os olhos de um azul límpido impressionante. Perguntei-lhe pelo catálogo, disse-me que só havia em alemão. Estávamos a falar em inglês, claro! Disse-lhe que ia comprar na mesma, respondeu-me que assim poderia aprender alemão para ler o catálogo. Respondi que já tinha tentado, mas é muito difícil. E gostaria de um dia ler Rilke em alemão (aí os anjos, os anjos, os anjos…) Já desolada, disse-lhe que me restava ver a arquitectura da cidade que é linda! Então pediu-me para me sentar no hall de entrada, esperar um pouco porque estavam a chegar excursões de velhotes de toda a Alemanha, habitualmente, alguém não podia vir nesses grupos, desistia por motivos de saúde. Se fosse o caso, eu podia visitar a exposição. Sentei-me à espera, um colega dele substituiu no balcão de entrada. Só via casais de velhotes a entrar em fila, são muito organizados e silenciosos. Passado um bocado, os olhos céu límpido vieram na minha direção, perguntou se tinha cartão de crédito, claro que sim. Já ao balcão vendeu-me um bilhete, fez questão de dizer que era o mesmo preço de todos os bilhetes, e dava para as quatro exposições da Kunsthalle. Aconselhou-me a ver as obras de artista contemporâneos no último andar inspirados no Friedrich. Fiquei comovida, agradeci-lhe o gesto. Existem anjos em Hamburgo.

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‘Anselm’ de Wim Wenders

Finalmente vi o ‘Anselm’ de Wim Wenders, e sem o 3D no TVCine, uma vez que ainda não estou curada da doença que apanhei na pandemia, ou seja, maldita misantropia não me leva a por os pés numa sala de cinema. O filme confirmou a minha relação conflitual com a obra do Aselm Kiefer: admiro e em simultâneo assusta-me, rejeito mesmo. Talvez seja um problema cultural, relacionado com a minha miserável condição de portuguesa espanholada, tenho mais afinidades com as culturas do mediterrânio. A escala monumental wagneriana assusta-me, horas e horas de Ópera com recriação de mitologia, tudo aquilo para a eternidade, raios que o partam, os deuses que me acudam! Tive a mesma sensação quando visitei o Museu Pérgamo em Berlim, fiquei esmagada a olhar as portas da Babilónia, é apenas uma das obras monumentais dentro daquela ‘casa de conhecimento e preservação de memória’. Perguntei-me: porquê aqui e para quê? Tenho sentimentos contraditórios com a obra de Anselm Kiefer e com a cultura alemã. Terá a ver com o sentimento de sublime que Kant apresentou na sua Faculdade de Juízo? Lembro-me de ter de o estudar na Faculdade, não foi fácil de entender! Como é que na casa dos vinte anos se vai entender o pensamento de um pietista protestante alemão, que construiu um modelo de sujeito à sua imagem e semelhança, resultando uma complexa abstração? Se bem me lembro, era um modelo de sujeito com um modo de conhecer, agir e sentir ‘superior’, a tal razão tripartida num puzzle muito consistente. O raio do Kant no século XVIII montou o puzzle todo direcionado à perfeição. No caso da estética dita transcendental, do sentimento de belo lembro-me de ser classicamente aprazível e harmonioso, ao contrário do romântico e conflitual sublime, que também poderia ou não ser penoso. E ambos eram preparatórios para o juízo teleológico, a contemplação da natureza era superior à da arte, Kant estava-se a lixar para a arte, a finalidade daquele perfeito puzzle era o transcendente. Por cá no imanente vejo como a ideia de perfeição originou o Holocausto no século XX. Quanto ao Kiefer, anda há muito a escarafunchar as feridas desse passado histórico da sua cultura e confronta-nos com paisagens sublimes em grande escala. Chamam-lhe Nazi, não concordo, apesar de me assustar a sua escala monumental. O facto de estar a escarafunchar o passado nazi não é sinónimo de o ser. Não nos podemos esquecer que Hitler era um artista frustrado. O Kiefer é um grande artista, não faz mal nenhum ao mundo, produz pinturas, esculturas, instalações em larga escala, achei lindo o Wim Wenders filmá-lo a andar de bicicleta no atelier. No futuro, deveríamos poder andar de bicicleta nos museus de arte contemporânea. Ou de patins. O George W. Bush desde que se reformou dedicou-se a pintar uns cães bastante ridículos. O mundo estaria melhor se o Bush tivesse passado a vida inteira a pintar cães.

George W. Bush em 2014, a cor da camisola do artista faz pendant com as pinturas, levam-me a acreditar que são auto-retratos.
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Apresentação de ‘À Tona do Vazio & Reprise’

 Foi no dia 2 de Junho de 2021, na livraria Tigre de Papel em Lisboa, com o Ricardo Marques apresentamos o livro de Miguel Serras Pereira. Estavamos ainda em desconfinamento pandémico, no tempo das máscaras, podem ouvir em posdcast aqui. Nesta sessão li o seguinte texto: 


Li «À Tona do Vazio & reprise» durante o último confinamento, e o poeta Miguel Serras Pereira, que conheci pessoalmente agora, desafiou-me a estar aqui por ter partilhado no Facebook uma pequena nota de leitura. A nota começava assim:


“Em boa hora foi publicada esta antologia que reúne poemas escritos entre 1969 e 2019, excepto três poemas anteriores, segundo indicação do autor na abertura. No entanto, a nota do autor e o prefácio de Emanuel Cameira só li no fim. Fui directa aos poemas, sem ligar à estrutura do volume, que inicia com um conjunto de inéditos, seguindo-se uma seleção de poemas dos seus anteriores livros. Mergulhei de cabeça nos poemas e deixei-me levar, marcando as páginas onde queria voltar, alguns partilhei-os, cada vez tinha mais páginas marcadas e depois andava para a frente e para trás. “

De facto, não tenho o hábito de ler os prefácios nos livros de poesia, tornam-se sempre posfácios, vou directa aos poemas e depois fico por lá ou não. Apercebi-me da estrutura do livro, que inicia no fim da ordem cronológica, e avança em direcção à poesia do passado do autor, quando já ia bastante adiantada na leitura. Também porque durante o confinamento falei no Messenger com o Ricardo Marques, que me enviou a sua recensão crítica ao livro, depois publicada na Colóquio Letras. Na altura disse ao Ricardo que não entendia as referências ao Renascimento descritas no texto, mas tinha sentido que o autor era antigo e moderno em simultâneo. Por exemplo, na página 148, o poema “Talvez um barco”, vi que tinha a estrutura de um soneto, mas reinventada livremente. Não tenho competências para analisar formalmente os poemas, para além de achar que é redutor, porque como diria a poeta e ensaísta Salette Tavares (uma das minhas autoras favoritas): “A obra de arte não é um pastel de massa tenra em que se possa separar o exterior aparente da carne que constitui um recheio” (in «Os efes». E.M. de Melo e Castro, José-Alberto Marques, “Antologia da poesia concreta em Portugal”, Assirio & Alvim, 1973, p.122). Um bom poema é sempre forma e conteúdo, é criação de um todo ou novo «Cosmos».


Existe uma característica na poesia que me seduz muito na leitura, é possível na experiência estética de um poema ver a superfície textual antes ainda de ler, podemos observar como se desenvolve a mancha do texto na página, que é variável ao contrário de uma monótona e linear prosa escrita.  Este aspecto relaciona-se também com a capacidade de síntese desta arte, uma vez que a sua forma estética permite condensar uma enorme quantidade de informação. Aquilo que num ensaio ou numa narrativa se desenvolve em páginas e páginas de forma extensa, num bom poema existe brevemente, num instante denso que foca e exige uma grande concentração por parte do leitor. Creio que é uma das qualidades desta arte maior e mágica das palavras que é a poesia, a síntese e a sua capacidade de condensar informação e surge com uma pequena escala, bem mais pequena que num ensaio ou numa prosa. Escala essa talvez mais humana, se é que se pode apelidar assim. Tenho mais empatia por um estudo de Chopin com a sua forma breve e intensa, do que com uma ópera de Wagner que são horas e horas de música com efeitos especiais para o público não adormecer a meio, com toda aquela complexidade mitológica para a eternidade. Confesso que as obras megalómanas me assustam. Apesar de não se poder comparar fenómenos tão díspares, onde é possível entender e ver as características e qualidades diferentes, sinto-me mais próxima de obras com escalas mais humanas, de que é exemplo este livro que reúne cinquenta anos de poesia de Miguel Serras Pereira.


Ainda em relação à leitura de poesia, gosto de pegar num livro, abri-lo ao calhas, ver e ler um poema e depois deixá-lo a ressoar interiormente, fico a disfrutar da leitura, e quando o poema fica ressoar, tenho vontade de o voltar a ler. E isso aconteceu neste livro que nos reúne aqui hoje. Em “À Tona do Vazio & reprise” encontrei-me com raros e belos poemas de amor que nunca descabam em sentimentalismos, pelo contrário, li poemas onde Eros e Thanatos viajam de mão dadas, canções de amor e morte onde senti a voz de um trovador muito antigo e moderno em simultâneo. Em todos estes poemas encontrei um trabalho de linguagem muito cuidado e rigoroso, onde lúdicos jogos fono-semânticos muitas vezes extravasam estruturas clássicas com uma moderna liberdade livre, numa lírica sempre elegante e temperada de intemporalidade. Talvez por isso andei às voltas enquanto viajei no livro, voltava atrás na leitura enquanto seguia em frente sem me cansar. E quando o terminei de ler sabia que sempre que me lembrar dalgum poema deste livro vou voltar a ler e a ler e a ler.

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Em cada encruzilhada

Em cada encruzilhada (2021). Colagem e aguarela sobre papel, 15x21cm.


Porque és a encruzilhada sempre a teu caminho
de todos os meus passos em cada encruzilhada

Miguel Serras Pereira

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Apresentação de ‘A Noite’

Foi no dia 24 de Junho de 2017, apresentei  A NOITE de Ricardo Marques, ao lado da Raquel Nobre Guerra que leu os  poemas na Livraria da ZDB.  Foi num  belíssimo fim de tarde onde li o seguinte texto: 

Tenho acompanhado a poesia do Ricardo Marques desde o seu primeiro livro, «Eudaimonia», para o qual contribui com a imagem da capa e ilustrações no seu interior. O Ricardo tem-nos habituado a um registo depurado e rigoroso, em livros bem estruturados, tal como este livro A NOITE. No entanto, este livro é um pouco diferente dos anteriores, porque apresenta uma maior diversidade formal. Essa diversidade realiza-se em torno de um tema, aliás, trata-se de variações sobre a noite, como indica o subtítulo, ou seja, este tema foi abordado ao longo do livro, mas de forma alterada, como acontece em termos clássicos numa composição musical. Este livro não é apenas sobre a noite, está estruturado como a própria noite, com as suas estâncias: inicia com o crepúsculo, existe uma meia-noite e um chiaroscuro ou amanhecer.

O Ricardo Marques neste momento tem uma exposição de colagens no edifício da Câmara Municipal de Lisboa em Entrecampos, que vos aconselho a visitarem, para conhecerem o que está a desenvolver com este processo em termos visuais. Nas colagens visuais, ele apropriou-se de material gráfico diverso, estabelecendo relações imprevisíveis com elementos encontrados, rasgados e escolhidos, aos quais atribuiu um novo sentido, através da «cola mágica», que é uma ideia que está presente na origem etimológica da palavra «collage» (no francês). Em a NOITE, também utilizou este processo na construção de poemas, muitos deles resultam de colagens intertextuais e têm uma coordenada visual. Ao longo do livro, o Ricardo Marques vai estabelecendo diálogos com outros autores, como a poeta Safo, voz feminina da antiguidade e originária da ilha de Lesbos na Grécia; ou com a fotógrafa Nan Goldin, cuja obra a partir dos anos setenta, eternizou seres humanos que vivem e trabalham na noite, na cultura underground de Boston e Nova York. Deparamos também com vários encontros ou referências a poetas como Rilke ou Maley Hopkins, com pinturas de Magritte, Rembrant, Edward Hopper, e sobretudo com músicos como Tom Waits, Pati Smith, PJ Harvey ou Elodie Lauten.

As referências musicais preponderam ao longo deste livro nocturno: logo no início surge um poema onde aborda a sombra e o anjo negro que é a noite, relacionado com um fragmento da letra de «La Folie» dos «The Stranglers». Esta preponderância de encontros musicais deve-se, a meu ver, à relação intrínseca que existe entre noite e a música. Nietzche em «Aurora» escreveu um aforismo onde caracterizou a música como a arte da noite e da penumbra, devido ao ouvido ser o órgão do medo, o que o torna menos necessário à luz do dia. A visão é um sentido nobre e diurno, Apolínio digamos, que se anula no escuro da noite, onde a música se faz e escuta melhor. Na noite, o império da audição afasta as outras percepções sensoriais. A música, que é da ordem do invisível, invade os corpos de quem a escuta, instala-se no seu sistema nervoso e nas funções vitais, elegendo a intimidade dos auditores como domicílio. O som tem um carácter invasivo que não existe na imagem, porque no nobre sentido da visão está sempre implícito uma distância ou ponto de vista. A audição da música, pelo contrário, pode mesmo provocar estados de transe, onde o sujeito deixa de ser ele próprio, também através da dança. A música tem um carácter dionisíaco.

 Paira assim um fantasma sonoro neste livro, mas ele está presente através de palavras de canções, que se acendem na noite e funcionam como uma claridade no escuro. As palavras das canções surgem conjugadas com palavras do Ricardo Marques, abordando sensações dos corpos na noite, o amor, assim como o tempo que passa ou a insónia. Aliás, grande parte dos poemas deste livro tem uma coordenada visual, onde os versos estão dispersos na página, surgindo como pequenos pontos luminosos na noite, que remetem para constelações. Num dos primeiros poemas onde isso acontece, a palavra penumbra surge destacada e desconstruída, conjugada com os restantes versos e com a palavra “luz”, também em destaque, que ao formarem um ideograma permite um jogo de leituras, através das várias direcções e combinações das palavras e versos.

A coordenada visual destes poemas nocturnos remetem para a liberdade compositiva de Stéphane Mallarmé em «Un coup de dés jamais n’abolira le hasard» (1887) – «Um lance de dados jamais abolirá o acaso», como traduziu Armando da Silva Carvalho em português, na editora Relógio d’Água. Nesse lance de dados, o poeta simbolista francês utilizou versos livres, dispersando-os sobre a página e valorizou os espaços em branco entre as palavras e em torno delas para formar ideogramas. A pontuação dos versos foi assim substituída pelo branco da página, tornando-o um elemento primordial na organização rítmica, tal como acontece com as pausas na música. Constelação é também uma palavra presente e em destaque no final de «Un Coup de dês», uma palavra-imagem que foi muito utilizada para classificar este tipo de composições. Num fragmento de uma carta a um amigo, Mallarmé afirmou que nesse poema desejava que os caracteres das palavras fossem bastante apertados, para se adaptarem à condensação dos versos, mas também que existisse ar entre eles, espaço para se distinguirem uns dos outros, com zonas de descanso para não serem lidos de uma só tiragem ou esticão.

Mas nem todos os poemas deste livro A NOITE formam constelações. Perto do meio da noite encontramos um bloco de prosa poética que aborda a passagem do tempo; surge também um poema figurado, num diálogo que o Ricardo Marques estabelece com «O império das luzes» (1949) de Magritte, antes da «Insónia de Manley Hopkins» e já perto do chiaroescuro (estou a situar assim o poema, porque não se encontram numerados ou com números de página no livro). As estrofes do poema «Imaginez la nuit, mon ami Magritte» encontram-se alinhadas na vertical, remetendo para a forma de um candeeiro presente nesta pintura, onde Magritte de forma paradoxal conjugou a noite e o dia numa só imagem. Este poema figurado remete para os «Calligrames» (1916) de Apollinaire. E para terminar, penso que este livro A NOITE, se pode apelidar de pequeno álbum de constelações, e espero que gostem de ler e também de ver as palavras destes poemas a brilhar no silêncio da página, tal como se observassem um céu estrelado na noite.

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Big Ode #2, 2007

A ‘Big Ode #2: Poesia e Imagem’ (Julho 2007) foi uma edição especial em forma de caixa e teve 150 exemplares. Com o tema ‘A Viagem’ os autores participaram enviando material em suportes diversos e incluiu um CD dos Ventilan, gravado em estúdio pelo Fernando Gomes. Recordo bem o lançamento na recém-inaugurada Fábrica de Braço-de-Prata, na altura as minhas esculturas ‘Babilónias’ estavam expostas numa parede na Sala Deleuze. Houve concerto dos Ventilan, onde fiz uma breve introdução: reencarnei na maravilhosa Mrs Florence Foster Jenkins em playback, fui vestida a rigor com asas de anjo e o som esteve a cargo do Luis Germano. Depois o Nuno Moura leu muito bem Boris Vian (aliás, foi uma tradução em português de ‘Je Suis Snob’) e o concerto teve como ponto alto a leitura de ‘A poesia dá dinheiro a Portugal’ com o Henrique Manuel Bento Fialho a dar tudo na guitarra. Além dos Ventilan, lembro-me de estarem lá a Margarida Chambel , o Miguel Rodrigues,  a Raquel Coelho, a Sara Franco, o Tiago Veiga, e não só. Como também houve concerto dos irmãos catita noutra sala, às tantas o Manuel João Vieira de viola em punho dedicou uma serenata à Sara Rocio. Não sei como o Henrique Matos, que se passeava com a capa de um single do Demis Russos a tira colo, convenceu o Manuel João a ir para o palco tocar piano e começou no microfone a dizer um longo poema do Tiago Veiga. Ele tinha apenas um papelinho tipo cábula na mão e como estava a fumar, colocou o cinzeiro no topo da careca. A Sara ao fundo da sala preocupada fazia gestos para ele não deixar cair o cinzeiro, volta e meia ele deitava lá cinza, sem parar de dizer o poema e aguentou-se até ao fim. Já às tantas da manhã, o Fernando Gomes brindou-nos com Piazzola no piano, outra surpresa inesquecível. Obrigada por esta viagem na memória Rodrigo, foi muito bom voltar a abrir a caixa do número 2 da bigode.