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Naturezas-Mortas Sociais 2014

Em 2014, dei continuidade às narrativas visuais da série ‘Naturezas-Mortas Sociais’ iniciada em 2012, utilizando também a colagem de modo a associar elementos nas composições pictóricas, mas ampliando a escala e utilizando telas como suporte. Nesse ano apresentei algumas destas colagens na Livraria Miguel de Carvalho em Coimbra e na Galeria Cossoul em Lisboa. Na exposição da Cossoul estiveram acompanhadas do seguinte texto do meu  compagnon de route Nuno Esteves da Silva:

Não vou falar do evidente prazer de fazer que se manifesta nestas pinturas. Nem do prazer de ver que poderá resultar da nossa relação com elas. Trata-se aqui muito mais de matéria do que de virtuosismo, mas não é disso também que quero falar. Essas são dimensões que se poderão manifestar directamente a quem puder olhar. Quero falar de uma outra dimensão que estas pinturas contêm, mas que, em virtude da sua natureza, terá talvez mais dificuldade em se manifestar tão directamente. A Maria João Lopes Fernandes chama a estas suas pinturas «naturezas-mortas sociais». Sabemos que esta expressão, «naturezas-mortas sociais», a pediu emprestada ao nosso amigo Daniel Falb, que é alemão, poeta e filósofo. Cada um poderá interpretar a seu modo o porquê desta designação e o que dela se manifestará nas próprias pinturas. Não serei eu a dar a explicação correcta. Quero, ao invés disso, pensar algumas dificuldades que a sua interpretação suscita.

A própria expressão pode ser encarada como uma brincadeira ou um daqueles paradoxos que Unamuno disse ter passado a vida a criar. Mas tentaremos ver aqui mais que um jogo. E os paradoxos exprimem muitas vezes um sentido que transborda do mero paradoxo. Neste caso o paradoxo consistiria na coincidência da natureza-morta com o social.  Expliquemo-nos: poderíamos conceber uma «natureza-morta social» na qual se misturassem, no meio de frutas e legumes, objectos que manifestassem um estatuto social; mas não é de nada disso que se trata. Nesse caso continuaríamos a ter naturezas-mortas, mas com um certo pendor social. Pelo contrário, o que parece acontecer é a justaposição, num mesmo plano, de dois pontos de vista sobre o real, antagónicos e mutuamente exclusivos: a natureza-morta e o social. E, num primeiro nível, isso acontece da forma mais evidente, ou seja, pela justaposição de pequenos almoços com manifestações e a polícia de choque. O que se passa então?

Para além da justaposição das imagens temos a justaposição de códigos e géneros. E, consequentemente, de atitudes. Nada talvez mais afastado do que, de um lado, a atitude do esteta que disseca a beleza contida nas formas puras dos vegetais e mesmo de animais mortos; e, do outro, a atitude do activista que denuncia as injustiças arrastadas pela impiedosa marcha da sociedade. Ora se a cada uma dessas atitudes, isoladamente, poucas objecções surgirão, de facto, no nosso mundo democrático, já a sua sobreposição é (podemos facilmente imaginá-lo) passível de produzir algum escândalo. É que – dirão alguns – «não se brinca com coisas sérias». E não se mistura o sofrimento com croissants e compotas. Mas, saindo do discurso censório e proibicionista, temos de perguntar, antes, quem fala neste paradoxo e o que quer dizer? Que verdade se exprime aqui? Talvez, para responder a essas perguntas, tenhamos de começar por perguntar que procura de verdade habitava esses lugares aparentemente incompatíveis, a natureza-morta e o social? Enquanto lugares de produção de verdade, alguma relação se deve estabelecer entre eles, que legitimamente podemos pensar ser captada e dar sentido ao discurso destas pinturas. Tentando ser o mais breves e rigorosos possível, podemos dizer que, na natureza-morta, temos um olhar que, desviando-se do movimento do mundo, se fixa em alguns objectos transitoriamente abandonados, procurando reconhecer neles a forma pura, vazia de conteúdo, do tempo. E, no social, temos um olhar que procura reconhecer o movimento imparável, a instabilidade, daquilo que, provavelmente na maioria das sociedades, sempre foi encarado como mais estático e imutável, quando nunca o foi de facto: a organização social; as instituições. Mas é tempo de devolver a pintura ao olhar. Deixemos apenas uma última observação: talvez na relação que aqui se estabelece entre a natureza-morta e o social o paradoxo se transforme em alegoria.

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Big Ode #0, 2006

A revista Big Ode foi uma grande aventura do Rodrigo Miragaia partilhada também com a Sara Rocio , amigos do coração e artistas que muito admiro. Tenho excelentes memórias desta aventura. Sendo uma revista de poesia e imagem, apresentou diálogos e cruzamentos de várias expressões artísticas em formatos variáveis, e nesse sentido marcou uma diferença nas publicações do início do século XXI no nosso país. A revista surgiu num período em que os blogs estavam em alta e nas suas páginas estrearam-se blogers que mais tarde publicaram livros de poesia ou criaram editoras independentes, aparecendo ao lado de poetas e artistas mais experientes, mas sempre com um espírito experimental. Este exemplar de estreia era em tamanho A3 e os que se seguiram nunca repetiram este formato.

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De má condição 2024

Em maio de 2023, o Henrique Manuel Bento Fialho enviou-me o livro de poesia inédito ‘De má condição’ a partir do qual realizei um conjunto de pinturas em pequeno formato. As interpretações dos poemas resultaram num conjunto de paisagens verticais, que contrariaram o formato horizontal ou panorâmico, próprio da representação da paisagem. A anterior série de pinturas, que realizei entre 2020-2022 intitulava-se ‘Panorâmicas’ e utilizava o formato horizontal que nesta sequência foi contrariado, através novos elementos encontrados nos poemas do Henrique, que perturbaram no bom sentido o panorama anterior. Sendo a pintura uma janela aberta para o mundo, para a natureza, nesta sequência abri uma janela também para a memória ou natureza humana, ao optar pelo formato vertical, próprio do retrato e da representação da figura humana. Deste modo, abri  uma janela para a casa interior. O livro em edição de autor surgiu na primavera deste ano, com design de Pedro Serpa. No seu blog, o Henrique apresenta o livro assim.

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Labirintos 1994-2023

Em 1994, antes da minha estadia de seis meses no NSCAD em Halifax (Canadá), construi um livro de artista com textos-visuais labirínticos, onde as palavras foram compostas por módulos com duas letras encaixadas, ou seja, usando o mesmo sistema de anteriores quebra-cabeças, mas utilizando a transparência das folhas do livro, com páginas em papel vegetal.  Estes dois filmes a partir do livro foram realizados por Sofia Cavalheiro em Julho de 2023.

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Diário 1992-2023

Quando um amigo visitou o meu atelier em 2022, mostrei-lhe dois pequenos livros de artista pintados na juventude que datam de 1992. O meu amigo assustou-se, não conseguiu folheá-los, teve medo de os estragar. De facto, são livros delicados, frágeis mesmo e estão a degradar-se. Lembrei-me então de falar com a Sofia Cavalheiro e propus-lhe filmá-los antes que se desfaçam, o tempo tem esses efeitos. Ela achou boa ideia registá-los antes que morressem. Graças à magia da Sofia a quem estarei sempre grata, este diário que fiz em 1992 pode ser visto em filme. Os amigos são portos de abrigo, os bons encontros que dão sentido à existência.

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Prelúdio 1992-2023

‘Prelúdio’ (1992) foi o primeiro livro de artista que fiz em 1992, na altura frequentava as aulas de desenho do João Queiroz e Miguel Branco no Ar.Co. Foi também o primeiro livro que a Sofia Cavalheiro filmou, o primeiro passo para os meus livros de artista saírem do baú onde estavam guardados há mais de trinta anos. Graças à magia da Sofia. a quem estarei eternamente grata, este livro pode ser visto em filme. A sua amizade é mais antiga que os livros.

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Prefácio de livro 2023

Texto que escrevi para o livro de artista de  Sara Franco, ‘Amor Kebab ou o infame poema canhão’, edição de autor, 2023: 

Este livro difere de um livro convencional devido a enfatizar o carácter sensorial na sua fruição. Este aspecto habitualmente é obliterado na leitura, o leitor esquece-se de ver o livro que está a ler nas suas mãos. É um livro de artista, múltiplo e nómada como todos os livros. Também é um objecto artístico que requer uma fruição individual, uma vez que só pode existir um leitor de cada vez. Os livros de artista diferem dos objectos de arte expostos em galerias ou Museus, devido ao seu formato intimista e intersubjectivo.

Conhecia a obra visual gestualista e expressiva da Sara Franco, do tempo em que estudámos nas Belas-Artes de Lisboa, e de nos reencontrarmos em colaborações na revista Big Ode de Rodrigo Miragaia Descobri a sua escrita com BALA (2022) edição da autora, surpreendendo-me a sua fragmentada prosa poética de forte carácter imagético. Nesta plaquete, os poemas em prosa vivem na companhia de desenhos gestualistas, ampliando o seu sentido com inomináveis gestos-gritos a negro no branco da página, coexistindo as duas expressões artísticas em paralelo.

No presente livro, a autora apresenta-nos uma poética híbrida em páginas onde contaminou a pintura gestual com a escrita e outros registos gráficos. Desenvolveu assim uma experimentação verbo-visual onde explosivas manchas cromáticas dialogam num mesmo plano, com textos tipográficos ou em escrita manual, também com desenhos e outros grafismos. A colagem compõe e confronta os vários registos de forma variável.

Estas páginas são para sentir, ao contrário dos livros onde a escrita habita o interior, apenas como instrumento racional transmitindo conteúdos. São páginas para tocar, rodar a direção para ler, são para ver e ler em simultâneo; são sinestésicas; são pinturescritas ou escritopinturas. Este livro é composto por um imprevisível encontro entre pintura e poesia, por isso é multi-sensorial e polissémico. Este objecto vivo que sentem nas vossas mãos tem uma personalidade material própria em resultado da expressão poética individual de Sara Franco.

Este livro É.

21 de Março de 2023